ベルカント唱法

今日は、神戸での在原勝先生のレッスンを聴講して来ました。
このベル・カント唱法のブログは一旦お休みしていましたが、先生のレッスンがとても興味深かったので、特別編として、このカテゴリーに記事を書こうと思います。
在原先生は東京在住で、９月にエレナ・モシュクさんの公開レッスンを聴いた時、解説と通訳をされていた方です。
先生は東京芸大を卒業後、イタリアに長らく留学され、著名なイタリアのテノール達からベル・カント唱法のレッスンを受け、それを熟知している方ですが、帰国後は演奏から離れて世界的な歌手たちやオペラ、オーケストラなどを日本に招聘し、ヨーロッパの音楽文化を日本に紹介する仕事をされています。
勿論イタリア語も堪能で、デヴィーア、ベルゴンツィ、ヌッチ、クラウスなど名だたる歌手の呼吸法、発声法を熟知されているとの事。
その在原先生のレッスンを受ける為に、日本各地から神戸まで毎月大勢の方が集まって来られています。
中には、外国人のテノールの方も何人かいらっしゃるようです。
先生のレッスンは、まずハミングから始まり、次いで母音による幾つかの音型による発声練習と続きます。
先生がおっしゃるには「一番大切なのは咽を開ける事と呼吸の技術であり、やり方が分かりさえすれば、後はひたすらその為の筋肉を鍛えて訓練すれば良いだけ。」
これは私がいつも言っている事と同じだったのですが、口のフォームも姿勢も背筋の使い方も声を出す方向も、全て私がやっている事と同じだったのは、嬉しい驚きでした。
レッスンは１人１時間でしたが、およそ半分以上が発声に費やされ、次に歌に入るのですが、歌も1曲かせいぜい２曲で、その内容も殆どが発声に関する事でした。
そのレッスンのやり方も、私と似ていると思いました。
勿論、発声練習の音型や母音の順序は私と違っていましたので、次からは先生がされていた音型も使ってみたいと思いました。
その他、私の方法とは別の、背筋を使うためのちょっとしたヒントも頂いたのが収穫でした。
今日は、お二人のソプラノのレッスンを聴かせて頂いたのですが、日本人に難しいのはウとオの母音のようでした。
日本語を話す時は咽を開かないので、つい日本語のウとオのような浅くて閉めた感じの声になってしまうのです。
何度もやり直されているのを聴いていて、人のやっているのを聴くと、良い響きと浅い響きの違いが本当によく分かるなと、改めて思いました。
９月のモシュク先生のレッスンもとても為になったのですが、在原先生のレッスンはモシュク先生のおっしゃる事以前の、もっと根本の技術なので、私が長年研究して実践し、生徒さんにも教えてきた発声法が正しかった事が実感でき、とても充実した一日となりました。
７月以来ここ４ヶ月間、孫達と娘達の世話に明け暮れて、ろくろく歌えなかったのですが、今日のレッスンを聴いて無性に歌いたくなって来ました。
週中に次女と孫達が帰宅する予定なので、その後しっかり練習を再開しようと思います。

番外編　　日本語の歌とベルカント唱法
このカテゴリーは既に掲載を終了していますが、今月５日に開催した私のリサイタルの経験から思う所があったので、番外編として書いてみる事にしました。
リサイタルでは一部を日本歌曲、二部をイタリア物という構成で臨んだのですが、その練習過程において、かなり悩んだ事がありました。
それは、ベルカント唱法が日本歌曲にはちょっと合わないのではないか、と言う事です。
言うまでも無く、ベルカント唱法はイタリア語を美しく響かせるための歌い方です。
イタリア語と日本語とでは話し言葉の段階でかなり雰囲気が違っていて、日本語は口先でペタンとした浅い響きで話すのに対して、イタリア語は深い響きで体を使ってはっきり話すのです。
特に違いがあるのは、エとウの母音のように思います。
ベルカント唱法では、咽を開いて深い響きを作る必要がありますが、日本語は扁平なので、響きを深くすると言葉が分かりにくくなるのです。
マイクを使えば、口先だけの発音も広い舞台に伝わりますが、マイクなしに歌う声楽では、口先だけの声では無理な部分があります。
日本語の言葉をはっきりさせる為には、響きを犠牲にして浅い声にする必要があり、それは私にとってかなりのジレンマでした。
言葉と音の響きに対しては、歌い手それぞれに思いがあり、どちらを重視するかは、歌い手の考え方によると思いますが、私は声楽も器楽と同じく音楽を楽しむもの、メロディーと音の美しさをを表現する芸術だと考えているので、どちらを取るかといえば音だと考えています。
勿論、歌詞がある歌なら、歌詞が出来るだけ分かる方が良いとは思いますが、例えば外国のポップスやシャンソン、ロックなどが好きな人は、言葉が全部分かって聴いているのでしょうか。
英語だけではありません。
フランス語やイタリア語、韓国語などの歌も大人気です。
歌詞では無く、音と声の響きやリズム、つまり聞いた感じが耳に心地よいから聴き手が喜び、ヒットするのでは無いでしょうか。
歌詞の雰囲気は、曲を聞けば何となく分かるものだし、歌詞が分からなくとも良い曲だ、素敵な歌だとみんな感じています。
歌っている本人は、歌詞が分かっているので、そういう気持ちになって歌詞を伝えようとしているに違いないし、それが聞き手にも自然と伝わって行くものです。
それが万国共通の、音楽という物の本質だと思っています。
器楽は全て、言葉は無く音だけですが、皆気に入って聴いているではありませんか。
器楽では、純粋に音と響きを楽しんでいるはずなのです。
それは声楽も同じではないでしょうか。
だからこそ、歌詞の無い母音唱法の声楽曲も存在するわけです。
その代表的な物が、ラフマニノフのボカリーゼという曲です。
歌詞は無く、ずっとアで歌うとても美しい曲で、人気があり、難曲ですが歌われる機会も多い有名な歌です。
始めに述べたように、ベルカント唱法では日本語の歌は歌詞が分かりにくくなるのですが、私は悩んだ末に、日本語の歌は、響きをある程度保った状態で、ほんの少しだけ浅めに歌い、子音に気を付けて歌詞が分かりやすくなるようにしました。
私が一番大切にしている響きを犠牲にする気には、なれませんでした。
ただ、アンコールで歌った日本語の二曲は、曲の音域も低く、一曲は完全にポピュラー、もう一曲もポピュラーの様な雰囲気の曲だったため、一部で歌った日本歌曲よりもっと浅めに、言葉を優先して歌いました。
ただ、その発声は音域が低ければ可能ですが、高音は浅い響きでは歌えないのです(だからポピュラー曲の音域は狭いのです。)
その結果、言葉は一部で歌った日本歌曲よりはっきり分かったので、アンコールが良かったと言う声があったのは確かです。
日本歌曲は、割り切って全てそのように浅めに歌ってはどうか、という意見も頂き、私も迷っています。
折角歌詞があるので、器楽と違い詩を通しての表現も出来るのが声楽です。
その詩を軽んじて良いわけはありません。
けれど、発声を、同じ舞台で曲によって変える、危険性と難しさもあります。
二種類の発声を使い分けるには、練習中も大変な注意深さと集中力を必要とします。
この問題は、はるか昔から歌い手が悩まされている難題なので、私の中ではまだ結論に至っていません。
これから日本歌曲を歌う機会も増えるでしょうし、常に試行錯誤しながら納得できる妥協点を見出して行こうと思っています。

番外編　背中で歌うという事
暫くベルカント唱法のコラムの記事の掲載はお休みしていましたが、最近自分が歌っていてつくづく感じる事があるので、自分への備忘録も兼ねて文章にしておこうと思います。
昔、２０年以上前になりますが、友人と一緒に発声の方法を研究していた頃、ある有名なイタリアでのコンクールで優勝したソプラノの方が、テレビ番組で発声のコツについて質問されていました。
その時彼女は「歌は背中で歌うのです。」と答えていました。
その頃、私達はまさにそういう方法に行きついていたので、我が意を得たとばかり、自分たちの方法が正しい事を喜んだものでした。
その後、友人は他の活動に忙しくなり、私は一人で発声法の研究をずっと続けていますが、その間に背中で歌うと言う事を少し疎かにしてしまっていました。
研究している内に新しい方法を見つけると、ついそちらに気持ちが向いてしまい、前にやっていた事が疎かになるのはよくある事です。
昨年春、６月のリサイタルの練習をしている頃、年齢も年齢なので次第にアリアの高音が出しにくくなっていて、高音の発声に苦しんでいましたが、いろいろ試行錯誤している時に、背中で歌うという事を疎かにしていた事に気が付いたのです。
若い頃は、少し位間違った方法で歌っていても、音を出すだけなら高音も楽に出るし、まあまあ何とかなるのですが、更年期を迎えるころから、次第に声帯に張りが無くなり、声が若い頃より艶が無くなって来る上に、今までは難なく歌えていた高音が出にくくなるのです。
５０代６０代になっても艶のある良い声で歌い続けるには、正しい発声法で歌う事が不可欠なので、必然的に若い頃以上に発声の勉強が必要となります。
２０年以上前に聞いて、自分でも正しいと思った、背中で歌う、という事の大切さを再確認している今日この頃です。
具体的な方法についてはここでは書きませんが、皆さんのヒントになるかもしれないと思い、番外編として書いてみました。
「背中で歌う。」は特に高音の時に大切で、背中で歌わないとしっかりした高声を出す事が出来ないのです。
余りに大雑把な言葉で具体的ではありませんが、高音がしっかり歌えた時に、まさにそうなっている事を皆さんも体感する事が出来るでしょう。

番外編　　顔の表情について

本編の掲載は終了していますが、私が練習していて思いついたことや、特にこれは気を付けるべきだと感じた事は番外編として自分の備忘録としても文章にしておきたくて、たまに書き込んでいます。
今日は、歌っている時の顔の表情について述べてみようと思います。
表情については本編でも言及しており、見た目に美しい優しい表情の時に良い声が出ていると書いていますが、単に優しいとか美しいという言葉以上に表情は発声にとって大切な要素なのです。
過去にハミングの大切さについて何度も言及していますが、歌う時には、まさに良いハミングをしている時の表情をずっと維持する事が、呼吸の技術の大切さと同じくらいに重要な事だと確信する様になのました。
つまり、良いハミングをしている時の顔のまま口を開けると、良い響きを出す歌の顔になる、という事です。
ハミングの時と歌う時とで顔が変わる人が殆どだと思うが、勿論発音によって多少変わるのは仕方が無いが、良い響きを得ようと思うならば、歌っている時の顔についてもっと考える必要があるだろう。
何故か音程が下がる、高音が上手く歌えない、響きが暗い、こもるとかなどの原因が表情にある事が多いのです。
前にも１にハミング２にハミングと書いていますが、今またハミングの重要性を再認識している今日この頃です。


番外編　息を送る、息を流す。
皆さんは、息を流すとか息を送るという事を聞いたことがありますか?
私は、以前本編の中でこの事に触れていますが、大変誤解しやすい言葉なので、もう一度詳しく書く事にしました。
声楽の勉強がある程度進み、イタリア歌曲やオペラのアリアを歌うようになると、先生から息について言われるようになると思います。
日本語でこれらの言葉を聞くと、息をしっかり吐く事だと思ってしまいますね。
実際、歌は息を吐いて歌うので、当たり前でしょと思うかもしれませんが、実はこの言葉は、かなり危険な言葉なのです。
普通に息を吐きながら歌うと、ろくなことになりません。
息が足りなくなってすぐに苦しくなる、声はクリアーでなくなり息の混じった所謂息漏れの雑音がする、声帯がすぐ疲れて長く歌えない、声がかすれてくる、音程が定まらずふらふらする等、困った弊害がてんこ盛りです。
これと同じように誤解されやすい言葉で、「声を前に」があります。
声を前に出そうとすると、喉が閉まって喉声になり、硬くて聞き辛い声になってしまいます。
だからといって、こもらせるような声も駄目ですね。
この二つの言葉は、若い頃の私もよく騙されて、間違った方向に行ってしまった言葉なのです。
この二つの言葉の正解は、一つ目は息を前に吐かずに後方から前に息を送り続ける事、これをイタリア語ではジラーレと言います。
これは聞いたことがあると思います。
二つ目は声を前に出そうとせずに、前に出る声を出せという事です。
その為にはどうすれば良いか。
それはとても難しいし、文章で書ける事ではありません。
強いて言えば、前に出そうとはしないがしっかり体を使う、でしょうか。
どちらも身体の感覚なのです。
感覚ですから、常に正解のポジションに居続ける事が難しいのです。
私も時々間違えそうになる位微妙です。
皆さんもくれぐれも罠に落ちないように気をつけて下さい。
単に息をハーッと吐いて歌えば良い声が出るなら、歌なんて簡単過ぎるじゃありませんか。
そんなはず無いですよね。


番外編　発声の基礎の基礎
先日、声楽科への進学に関して進路を悩んでいる男子高校生の事をブログに書きましたが、その中に、私が教えている基礎の基礎の技術を、彼が今まで習った先生達から全く教えて貰っていない事が驚きだった、と書きました。
声楽コースへの入門者の内、レッスン経験者は少数派だが、その中で私が教えている様な基礎の基礎を全てきちんと習ったという人は、記憶のある限り皆無です。
ただし、私が基礎の基礎としている技術内容の中の一部は習った、という人はいました。
ただ、習ったと言っても、具体的なやり方は教えて貰っていないのです。
ここまで来ると、何故こんなに重要な事を声楽指導者は教えないのだろうか、という疑問がわいてきます。
そこで、私なりにその答えを考えてみました。
①その先生が、それらの事を全く習っていないので、教えられない⇒自分でも出来ていない。
②習った事はあるが、やり方をしっかり教えて貰っておらず、自分ではきちんと出来ないので、教える自信が無い⇒自分でも出来ていない。
③始めから出来ていたので、先生からやり方を教えて貰っていない⇒勝手に始めから出来ている事なので、それを教える事が大切だと思っていない。またはどうやって教えたらよいか分からない。
④大切さは分かっているが、生徒にどう伝えたら良いかが分からないので、教えていない⇒自分は出来ている
⑤音大志望者には教えるが、趣味の人にはそのような技術は教えていない⇒自分は出来ている。
⑥知っているし、やり方も分かっているが、面倒だし時間と手間がかかるので教えていない⇒自分は出来ている。
ざっとこんな感じでしょうか。
多くの声楽の指導者が基礎の基礎を教えない理由は、この５つのパターンの内①か②か③が多いのではないかと思います。
①と②は単に音楽大学の声楽科などを卒業し、コーラスや街の教室で教えている先生に多いと思われます。
③は有名な声楽家で、大変立派に歌えて現役で活躍している先生に多いように思います。
私も学生時代、私が基礎の基礎の技術として欠かせないと思っている、咽を開ける、息の支えと身体の使い方、ハミングの大切さの中で、咽を開くと身体を使うは教えて頂いたが、息の支えとハミングについては全く言及すらされませんでした。
教えて頂いた２つも、具体的なやり方までは教えて頂けなかったので、自分であれこれ考えてやるしかなかつたのです。
昔はどの先生も、そういう指導のやり方でした。
だから、低音から高音まで自在に操れ、ピアノもフォルテも思い通りに出せて、常に良い響きの立派な声で歌いたいという願いを叶えるには、その方法を自分で探すしか無かったのです。
色々な先生のレッスンを受けた時の、言葉の端っこにあるほんの小さな示唆や、沢山の書物、録音、生のコンサート、放送などからヒントを集めまくり、一つ一つを友人と一緒に試しながら検証する毎日を過ごしました。
新しい物を構築するには、自分が今やっているやり方を全て捨て去り、正しいと思った方法で一から組み立て直して行く必要がありました。
分かったと思ったら、また付け加えたり外したりの連続。
正しいやり方がどういう物か、全く分からない中での二人での手探り状態は、大体これで良いかという形をみつけるまで、１０年以上続きました。
その後は、一人でコツコツと少しずつ更新しながら、研究を始めて早３０年が経ちます。
理想の声を目指して、今でもずっと更新しつづけていますが、苦労して一から組み立てた基礎の基礎の技術は、私の中では揺るぎません。
共に苦労した友人も同じです。
発声の技術について今でもツーカーで話が合うのは、この友人だけなのです。
私の経験から言えるのは、発声の基礎の基礎は出来なかったり歌えなかったり悩んだりして必死に追い求め、自ら掴んだ先生に習うのが、お勧めだという事です。
出来ずに悩んで掴んだ人は、出来ない人の気持ちも、何故出来ないか、どうすれば出来る様になるかが、始めから出来ている人より分かるからです。
始めから殆どが出来ていて、歌の才能が早くから認められる人も確かにいます。
けれど、そういう人は元々勝手に出来るので、人にやり方を教えるのは苦手です。
私は昔、高音が苦手で、楽々と歌える友人にやり方を尋ねたら、「キャーッ!」と叫び声を出す時と同じだ、と言われたのがその良い例です。
私にすれば、そう言われても、高い叫び声ってどうやって出すのかという大きな疑問が増えただけでした。
発声のやり方が分からず悩んでいる方達に、これだけは伝えたいです。
長い道のりかもしれませんが、諦めずに貪欲にコツコツ追及し続ける事。
そうすれば、道は自然と開いて行くに違いありません。


背中で歌うという事。
久しぶりにこのカテゴリーに、本編として記事を書いてみる事にします。
というのは、今私は１１月に開催されるコンサートに向けて練習をしていますが、その過程で以前この欄の番外編に書いた背中で歌うという事が、以前にも増して重要だと感じているからです。
以前の私は、お腹や胸と言った前側と、腰や背中といった後ろ側は同じくらいに重要で、前と後ろのバランスが大切だと思っていましたが、最近練習している内に、いや待てよ、同じ位では無く後ろ側の方がずっと大切じゃ無いか、と思い始めて来たからです。
ちょっと響きが引っかかるような箇所があれば、もっと背中を使うようにすると大抵上手く行くし、１オクターブ以上の難しい跳躍後の高音も、背中と腰のコントロールで上手く決める事が出来るのです。
勿論、とても微妙なタイミングで他の技術も複合しなければならないので、大変難しいのですが、上手く行く確率がかなり上がって来ました。
けれど、ここに落とし穴がある事も経験上分かっています。
これに限らない事ですが、今までも何か新しく発見すると、嬉しくなってそればかり考えてしまい、結局他の事が疎かになり、上手く行かなくなる事がありました。
正しい事も、やり過ぎは禁物。
他の大切な事を疎かにせず、背中と腰に意識を持って行く必要があります
もう一つ、私がこのところ大切だと思っているのは、最近生徒さん達にも毎回言っているのですが、音程が変わっても常に同じポジションをキープする事。
分かりやすく言うと、低音も高音も真っ直ぐ同じ位置を目指して歌う事です。
普通、音が上向したり下降したりすると、それと一緒に発声の意識も上に上がったり下に下がったりしてしまいますが、それは駄目で、常に真ん中の同じ位置をキープする事が大切です。
言葉で書くと何のことだか分からないかもしれませんが、実際私は、この表現でしか書けません。
この技術を習得するには、同じ母音でオクターブの跳躍練習をすると良いでしょう。
低音を出したそのままで高音に入るようにすると上手く行くが、高いと思うと喉も咽も閉まってしまい、上手く行かない。
ただ、跳躍練習で例えば上のＣ、Ｈ、Ｂが上手く出せても、次はいきなりその高音から同じように出してと言うと、殆ど皆、跳躍で出した声とは違う響きになってしまう。
自分でやっていても、何故そうなるか、さっきと何処がどう違っているのかが分からないのだ。
声楽の技術、つまり発声法とはこの様に難しいのです。
また、たとえやり方が分かっても、いつも必ず出来る訳でもありません。
発声法は身体を使う技術だから、スポーツの最高難度技と同じような物かもしれません。
だから探究し甲斐があるし、上手く行く確率を上げ、完璧でなくとも、ある程度のレベルの歌がいつも歌えるように努力し続けなければならないのです。


番外編　発声で重要な三大要素
今まで私はベル・カント唱法で歌う場合の大切な事柄について、色々な角度から述べて来ましたが、ではそれらの中で一番大切な重要な事柄を三つ選ぶとすれば何だろうかと考えてみました。
私も未だ勉強中の身ですが、これまで研究してきた中で今一番大切な三点を挙げるとすれば、ハミングを常に意識する事、お腹や背中や腰などの体をしっかり使う事、そして喉を開ける事、この三点でしょう。
次いで呼吸のコントロール、脱力と支えのバランス、口の開け方でしょうか。
これら六点が大体上手く行っていれば、ある程度の声が保証されます。
少しポイントずれていたり足らなかったり強すぎたりしても、誰もが分かるような不調な声にはなりません。
けれど、この六点を六点同時に正しいやり方で行うためには弛まぬ努力を長年続けなければなかなか身につかないのも事実です。
勿論、世の中には特に勉強せずとも始から勝手に素晴らしい声で歌える人たちが存在します。
それらは天才の話であって、凡人は努力するしかありません。
また、始から歌える人は、自分が何故立派な声で歌えるのかが余り分かっていない人が多いものです。
歌おうと思えば勝手にそういう声が出るのだから、それは分からないでしょう。
だから、そういう人たちは歌い方を他人に教えることが苦手です。
苦労してコツコツ勉強した人や、努力して発声法を磨いてきた人の方がやり方がよく分かっているのだと思います。
ただ、歌は人の身体で行う事なので、体格や筋肉のつき方などが個人個人でかなり違ってきます。
だから、先生の言う事がぴったり誰にでも当てはまるとは限らないのが、発声の難しい所です。
生徒は先生の言葉を聞いて、言われたことをしなければなりませんが、先生の言う事柄の程度については個人個人で変えてみる必要があるかもしれません。
例えば口の開け方や体の使い方の程度です。
口は個人で大きさが異なり、筋肉の付き方や筋力も異なります。
だから、そのあたりの事柄は自分と違うかもしれないと考えて、調整してみることも大切です。
今まで私の文章を読んでいて下さった方のために、発声に重要な三点と次に重要な三点を挙げてみましたが、それらの個々のやり方については過去の記事を参照してください。
勿論、良い声が出る事＝良い演奏ではありません。
良い声が出たうえで、人の心に伝わる演奏表現が出来てこそ良い演奏と言えるでしょう。


無駄な力は要らない
今日は久しぶりに本編の内容を書いてみようと思います。
今年の８月に１時間ほどのコンサートが予定されているので、２月にプログラムを決め、今は少しずつ練習中です。
昨年の11月に大きなアリアを歌ったのですが、その練習をしている時に気づいた事を発展させて歌っているうちに、身体の脱力が大切である事に今更ながら気づかされました。
元々脱力が大切なことは分かっており、脚や首、肩、上半身の脱力は意識して歌っていたのですが、練習して行くうちにお腹周りや背中や腰も、今までより少ない力しか必要無いのでは、と思えてきました。
勿論高音でのフォルテの時にはしっかりと体を使いますが、決して無駄に頑張る必要は無い。
無駄に力を入れずに良い響きで歌える声のポジションがあり、そこにハマってさえいれば、びっくりするほど楽な体でもしっかりした良い声で歌えるのだ。
長年歌っている間に何度かこういう感じで歌えた事があるが、それは殆ど偶然であり再現不能だった。
そのポジションは、口や咽を縦方向に意識する事が極めて大切で、響きを真っすぐ真ん中に捉える事と脚の脱力が必須です。
息も普通に吸うというか、さあ歌うぞといった気負いや準備といったものも特に要らない気がする。
この歌い出しの身体の感覚は初めてなので、私自身少々面食らっているのだが、大切なのは上下と前後のバランスだ。
言葉ではとても表現できないが、これまで私がこのブログで書いていたように体全体の絶妙なバランスの上に成り立っている。
けれど、今私がやっている事を声楽初心者の人に教えるのは、大変無謀だと思います。
何故なら、この状態を一言でいえば、何もしないというのが一番近いからです。
これまでにも歌っているうちに何もしないような状態になることがあり、その時は良い声で自由にのびのび歌えるのだと、このブログに書いたことがあったが、まさに歌い出しからその何もしない状態なのです。
もっとも、高音に関しては何もしないという訳には行かない様です。
今の所、高音の力の使い方を色々と試している段階です。
これからコンサートまでの練習を通して、最適な体の使い方をもっと突き詰めて行きたいと思っています。


高音の発声　その1
前回のブログで、発声は体の脱力が大切という事を書いたが、勿論それだけではありません。
私が今まで書いてきた全ての事をやりつつ、無駄な力は入れない事が大切なのです。
前回、高音の場合はどのように力を入れるかという点がまだ自分の中で解決されていませんでしたが、あれからずっと練習していて、自分の中ではっきりしました。
それはやはり、高音は中低音に比べてしっかり体を使うという事です。
つまり、より力を入れるか入れないかと言えば入れると言うのが正解。
けれど、力を入れる事が目的ではなく、しっかり開いた咽と口からしっかりと息を送り出す事が目的です。
息をしっかり送り出そうとすると強い腹圧が必要なので、結果的にお腹や腰や背中に力が入るのです。
高音のフォルテを出すときは、身体に力を入れることを意識するのではなく、しっかり息を送り出す事だけを意識すると良いでしょう。
そうすれば、身体は勝手に動いてくれます。
けれど、ここで誤解のない様にして欲しいのです。
この様に書くと、身体は脱力した上で息を送り出そうとしてしまいがちだが、そう単純なものでは無いのです。
私がこれまでに書いてきた色々な事を全てやった上で、無駄な力を入れないで息を送り出さなければならないのです。
長年歌い続けてきた私でも、本番を歌う度に練習を通して新しい発見があります。
全く声楽の世界は奥が深いものだと、驚くばかりです。


高音の発声　その2
先日、高音の発声について息を送るためにしっかり体を使うという事を書いたが、もう一点補足しようと思います。
それは、高音を高いと意識しない事です。
大抵高音はオペラのアリアの最後に出てきて劇的に盛り上げたり、歌曲の途中で山を作る場面に出てきますが、高音の前は必ずそれより低い音です。
一オクターブ以上跳ぶ場合も中にはありますが、３度とか５度とか低い音から高音に跳躍して入る場合が殆どです。
ここで大切なのは、直前の低い音です。
低い音を歌っている時のポジションのまま、上下に開いて真っすぐ高音に入ることが肝心です。
こんな時、次は高いぞと思って上のポジションに入ってしまい、響きが細くなったり声のボリュームが減ったり、音程が下がったりするのです。
上のポジションを取ったのに音程が下がるとは不思議ですが、高音を正しい音程で前の音と同じ響きで歌うには、下の響きがとても重要なのです。
言葉にするのは難しいので詳しくは書きませんが、上の響きと下の響きが同時に出ている感じです。
その上で、息をしっかり送るために体を使うのです。
文章を読んだだけで直ぐに出来るとは思いませんが、これをヒントにして自分であれこれやってみて欲しいのです。
私も自分であれこれ試してみたので、分かってきたのです。
ただ、発声が難しいのは、一つや二つだけやってもダメな事。
一度にやらなければならない事が数多くあるのです。
まずは基本が出来てから今日書いた事を試して欲しいです。
また、声帯や咽や首に力が入らないようにするのは基本の基本ですが、殆どの人はそれが余り出来ていません。
声帯に力が入っていては良い響きで歌う事は絶対に出来ないので、まずは咽や首、声帯の脱力に取り組んで欲しいです。


本番で履く靴について
先日、無事にソロリサイタルを終えたばかりだが、その練習経過を通じて、とても重要だと思えるポイントがありました。
それは、靴のヒールの高さです。
私は常々本番で履く靴を履いて練習するように生徒にアドバイスしており、私もそのようにしていますが、今回のコンサート用に考えていたドレスを着るのは初めてだったので、コンサートの二週間前くらいにパニエの大きさや靴を履いた時の丈の確認をしました。
すると3センチほど丈が長く、少し引きずるのです。
丈直しも考えましたが、面倒だったし費用も掛かるので、靴をもう少しヒールの高い物にしようと思い、ずっと練習で履いていたのとは別の靴を使う事にしたのです。
けれど、別の靴を履いて歌うと、どうもしっくり来ない。
その靴を履いて歌ったことは以前にもあるので、暫く使えば慣れるだろうと思ったのですが、一週間経っても違和感が消えないままだったので、試しに靴だけ履き替えて同じ曲を２回歌ってみると、出てくる声が違う事が確認できたのです。
その為、やはり始に予定していた靴を履くことにし、急遽ドレスを丈直しに出したのが本番の8日前でした。
直しに７日掛かるので、本番の前日の仕上がりとなりました。
丁度よい丈に仕上がり、本番は違和感無く歌えたのですが、今回つくづく感じたのが靴の高さの重要性です。
いつも履いている靴で本番を迎えるのが良いのは、まあ分かるとして、良いパフォーマンスの為には靴のヒールの高さその物が関係するのでは無いかと思えたのです。
靴の高さには厚底か普通かという要因もあるので、一概にヒールが何センチとは言えませんが、結局どの程度前に重心が移動するかという点が重要なのだと思います。
今回私の場合、最初の靴のヒール部分が７センチ、前が１センチだったので、実質のかかとの高さは６センチ。
変更しようとした靴はヒール部分が９センチ、前が２センチだったので、実質のかかとの高さは７センチ。
たった１センチの差ですが、後者の方が少しだけ重心が前に行きます。
それだけで歌う前の身体の状態や息の支え方が微妙に変わるのです。
私の場合、ペタンコのスリッパやかかとが２センチ～３センチの靴より、ヒールが６～７センチ程度の靴の方が歌いやすいのは以前から感じていました。
今回本番で使った靴はとても歌いやすかったので、私には実質のかかとの高さが６センチの靴が合うのかもしれません。
もっとも、始から踵の高い靴で練習していれば、それに応じた対応が出来ていたのでしょうが、一週間程度では無理だっただけかもしれないのですが、、、。
結論として、今の所は靴の高さは歌のパフォーマンスに大変影響し、低すぎても高すぎてもいけない、としか言えません。
最適な高さは人により違う可能性があるので、何センチが絶対に良いとは言えませんが、以前のコンサートで割と上手く歌えた時も(今回とは別の靴だったが)実質のかかとの高さは６センチだったので、私にはこの高さが良いのだと思います。
皆さんも本番で履く靴の高さをちょっと考えてみては如何ですか。


高音の発声　その３
以前この題で高音はその前の音からまっすぐ縦に咽や口を開いて、横隔膜を下げて背中も使って出すという事を書きましたが、今日はもう一つの要点を書こうと思います。
歌う前にまず息をしっかり吸って(お腹だけでなく胸にもしっかり入れる)そして、その息を胸では無くお腹で止めて保持するのですが、その時にしっかり吸った息を腰から背中の方まで使って下の方に押し込むようにする感覚が大切です。
そしてそのままずっと歌う続けていくのですが、ここぞという高音の前にブレスをする事が多い事は皆さん経験済だと思います。
そのブレスをした後の一瞬の間に、身体を上に書いたような状態にしておく事がとても大切なのです。
高音の前のブレスは重要で、しっかり吸わないと声が出せませんが、しっかり吸ってもそれが高い位置で保持されているままだと、力の乗った良い響きの声は出ないのです。
歌うときは始めに述べた息の位置で歌っているのに、高音の前になると焦ってしまってただ息を吸い込んだだけになっている人が殆どではないでしょうか。
高音がどうしても上手く行かない方は、直前のブレスの仕方をもう一度確認してみる事をお勧めします。
常に体は同じ状態を保ちつつ歌う。これがとても大切です。


今回の本番で確認出来た事。　
一昨日大きなホールでの本番があり、イタリア歌曲とオペラアリアを歌ったのですが、いつも本番を迎えると改めて確認したり発見したりする事があります。
今回もこれまでに書いて来た靴のヒールの高さや息の位置、腰や背中の使い方、口の開け方が正しいと確認できた事は大きな収穫でした。
普段の練習でいくら録音をして確認していても、大きなホールで歌うと立ち方から変わってしまいます。
客席が前方上方に上がっている為、つい姿勢が上の前寄りになってしまうのです。
まずヒールの高さですが、夏のリサイタルで最適な高さの靴を履くと上手く行く事が分かっていたにも関わらず、ドレスの丈の関係でもう少し高い靴を履いて練習していました。
家ではその靴で上手く歌えていたので、そのままゲネプロに臨んだところ、何だかしっくりこないのです。
上手く重心を下げられないのです。
やはり靴の影響は大きいと再確認して、本番は夏のリサイタルで履いた靴に変更しました。
するととても良い具合に落ち着いて立つことが出来たのです。
落ち着いて立てば、息もきちんと良い場所に入るはずですが、やはりホールは家とは違います。
いつもは何となくこの辺りという感覚で背中から腰にかけての場所に息を入れていたのですが、実際には厳然とここという場所があり、そこにしっかりと入れなくてはならない事に気づいたのです。
ああ、こうしないとダメなんだと分かったのが本番前のホール練習でした。
本番でもそうしたつもりでしたが、ほんの少し場所が違ったようで、第一声が思った様な響きになりませんでした。
途中から立て直して、後半や二曲目のアリアは割と上手く行ったと思いますが、実際はどうだったのでしょうか。
聴いた人からの感想をきいてみる事にしましょう。
まとめると、今回の本番で再確認できたのは姿勢の大切さと息の入る場所の重要性です。
口の開け方や高音のもって行き方は、私がこれまでにやっていた通りだったので過去の記載を参照して欲しいです。


座って歌ってみよう。
これまで体の背面や下半身の使い方を重点的に述べて来ましたが、よくわからないという方は座って歌ってみる事をお勧めします。
ピアノの背もたれのある椅子などに深く腰かけて、背中が背もたれに付くように、上半身は力を抜いてだらんと座り、その背もたれを背中と腰で押すようにしながら歌ってみましょう。
座っているのだから当然脚に力は入らないはずです。
そして声は真っすぐ前に出すイメージを持ち、口や口の中を縦に開けるようにすると良いです。
ただし、ごく初心者がいきなり試すのは無謀です。
ある程度息の吸い方や発声を勉強した人が、高音に力が入って上手く行かない時などにやってみると、ビックリする程の効果があります。
そしてその感覚のまま立って歌うのです。
そうしてみると、私がこのところ続けて書いている色々な事が体得出来るかもしれません。
私の生徒さんにも時折この座って歌うという事をやって貰いますが、上手く行く人が殆どです。
ですが、立って歌うとまた元通りという方も多いです。
このように姿勢や息の位置という一つ一つがとても微妙で難しいのですが、全ての要素が揃うと自分でも驚くほど楽に、高音も難しい音の移動もこなせてしまうのです。
何か上手く行かずに悩んでいる人は、是非この座って歌うを試してみてください。


日本人の声の好みと発声法
私は過去３０年間、発声の研究を続けて来たが、今になってつくづく思う事があります。
それは日本人の声に対する好みが、発声の勉強の妨げになっているのではないかという事です。
３０年以上に渡り、試行錯誤を続けながらああでも無い、こうでも無いと発声を研究してきましたが、何度もこれだと思った歌い方を変えたり、修正したり元に戻したりを繰り返しました。
その理由の一つに、理想とする声のイメージが自分の中で確定していなかった事があるように思います。
日本人の女性は見た目の若さをとても気にします。
男性も女性の声は可愛い声が好みの人が多いと思います。
欧米の女性は可愛らしさより、大人の女性としての成熟さや賢さ、仕事が出来る感じが重視され、声もどちらかというと落ち着いた低めの声が好まれるのではないかと、外国のテレビキャスターやニュース番組のアナウンサーの様子を見ていて思います。
その日本人の女性の声の好みが発声の仕方にかなり影響している気がするのです。
日本の女性たちの歌声は往年のアイドル達の声はいうに及ばず、クラシック界においても歌声が細目で可愛く、高い声の人たちがもてはやされている気がします。
そういった声の人が多いので、歌を勉強するに当たり、それをお手本にしてしまうので、皆細目で可愛い声になっていくのかもしれません。
少し太めで豊かな響きの人は、ソプラノであるにも拘わらず、メゾソプラノだと言われたりもします。
私もソプラノですが、メゾでも良い位の少し太めの響きの声であるため、知らない人にメゾだと思われたり、プロ同士でコーラスの時はアルトパートを担当させられてきました。
すると悩んでしまうのです。
自分はもっと細い声にした方が良いのではないか、所謂世間一般のソプラノの人たちのような声で歌うべきなのかと、、。
実際、それで細めの声が出るように歌い方を変えたり、日本歌曲はイタリア物より細い声にした方が良いのではないかとか、色々悩んだものでした。
今は確信をもって以下の事が言えます。
①声は、その人の持っている声のまま正しい発声で歌うべきで、意識的に太くしたり細くしたりしてはいけない。
②もしそれが自分の好みの声でないとしても、そのままの声で歌うしかない。
③日本人好みの可愛い声を目指してはいけない。
欧米人と日本人の声の差は人種の差としてはそれほどはなく、あるのは個人差だけです。
日本人が欧米人の声には全く遠く及ばないと感じるのは、発声法が違うからであって、同じ発声法で歌えば同じような種類の声で歌えるのです。
正しい発声とは、自然なリラックスした体で気持ちよく歌え、高音も低音も同じような響きで歌え、喉に力が入らない歌い方です。
私は今は歌う事が苦痛ではなくなり、練習も楽しくて仕方がないです。
もっと早く若いうちにこの境地に達したかったのですが、発声法に関しては指導者がいない状態だったので仕方がありません。
これからは後進の人たちに伝えていく役割も頑張って行こうと思います。


番外編　マルゴーニ近藤冨佐子先生の公開レッスン
先日、神戸でイタリア声楽協会主催のマルゴーニ近藤冨佐子先生の公開レッスンを聴講して来ました。
以下の文章はブログの音楽の項目欄で記載済ですが、こちらの内容ともリンクするので、番外編として掲載する事にしました。

マルゴーニ先生は武蔵野音大と専攻科で学ばれた後パリ音楽院に留学、同大学院を卒業後声楽家として活躍され、パリ地方音楽院の教授をされていた方で、ご主人は作曲家でパリ音楽院の名誉教授との事です。
先生は勿論日本語でレッスンされるので、外人の先生のレッスンのように通訳を介する訳では無く、言葉がすんなり頭に入って来ます。
仰ることもとても分かりやすく、レッスンを受けている方の声がアドバイスを受けると変わるのがはっきりと分かり、とても興味深く面白かったです。
一日通しで聴講できるのですが、仕事の都合で午前中のお二人の方のレッスンを聴きました。
先生の仰ることは、私が常日頃生徒さんに話している事と言い方は少し違いましたが、内容は同じでした。
私が教えている事が間違っていない事、私の今現在の発声法(歌うたびに少しずつ更新されています)が大筋においてこれで良いのだと確認できたことは収穫でした。
発声については、これまで以上に確固たる信念をもって指導出来ます。
先日、ガランチャさんのリサイタルについてのブログで、歌はこうでなくっちゃいけないと思ったと書きましたが、まさにその声を目指すためのレッスンでした。
勿論声には個性があり、体格も関係しますから、同じ発声法なら同じ声になるという訳ではありませんが、似た響きの声にはなります。
それは声種が違っても同様で、同じ系統の響きの声になるのです。
この事は私がずっと昔の若い頃から思っていたことで、日本人の歌手の声と欧米人の歌手の声ではなぜあんなに違うのだろう、皆は体格や骨格の違いだからだと言うけれど、果たして本当にそうなんだろうか。
根本的な声の出し方が違うように感じるけれど、、、という思いが、３０年以上に渡り同じ思いの友人と共に研究を始めた理由でもあります。
最近になって漸く、本当に長くかかりましたが、全てに納得のいく最終的な発声法が分かったと思っています。
それが果たして本当に正しいのかを確認するために今回のレッスンを聴講させていただいた次第です。
先生の仰ること全てに「そうそう。」と頷き、納得して帰りました。
私はもう声のピークは過ぎた年齢ですから、これから自分がバリバリ歌うのは無理でしょう。
でもまだ若い生徒さんには出来る限り伝えたいと思っています。
ただ、日本人である私達にはとても難しい事なのです。
何故なら、良い声、正しい声がどういう物かが分からない人が日本人の専門家にも多いからです。
以前、このブログにも書きましたが、日本語の特性や日本人の女性の声への好みも関係しているのでしょう。
声楽を勉強する人は、もっと外来の一流の人の声を聴いて、あの人は特別だからとか自分には出来ないなんて思わず、同じような良い声を出すためにはどうすれば良いかをもっと考えて欲しいのです。


絶対に大切な事
今まで色々と発声の方法について述べて来たが、このところ年齢を重ねて来たので、私の考える正しい方法でないとまともに歌えないという事が分かって来た。
若い頃には普通にしていたやり方では高音はもとより低音も歌えない。
身体の筋肉や声帯の回りの筋肉が衰えてきているのが自分で分かるようになって来た。
声帯も硬くなり柔軟性が次第に失われてきているのだろう。
前回にも述べたが、下半身の脱力と重心を下げる事、高音を上に上げずにその前の音のまままっすぐ歌う、下顎を下げて口の中を縦に開ける事などを守ること、横隔膜をしっかり下に支え続ける事がますます重要になってきた。
いや、重要というより必須と言うべき事柄になってきた。
来年のコンサートの予定は既に二三入っているのだが、家での練習は勿論本番も最新の注意を払って歌わないといけなくなってきた。
それと共に筋肉の衰えをこれ以上進めないために、体幹を鍛える必要があると考え、毎日トレーニングする事にして、今月から始めている。
私くらいの年齢になると第一線から退く歌い手が多いのも頷ける。
若い頃何も考えずに歌っていたままの発声では、本当にまともに歌えなくなるからだ。
若い人は少しくらい違った高の出し方でも綺麗な声で歌えるし、高音も出せる。
私は幸いに正しい歌い方が分かったので何とかまだ歌えているが、それでも自分の声の衰えは自分で分かってしまう。
若い頃から分かっていればしっかり声が出る年齢でもっと自由に思いのままに歌えただろうと思わないことも無いが、また自分でコツコツやって来て分かったことが今の私を支えている。
これからはそれを生徒さんに伝えていくのが役目だと思うが、伝えてもなかなか分かってもらうのが難しく、そちらも大仕事だ。
でも根気強く伝えていくしかない。
この私の文章を読んで下さる方も、文章だけで理解する事は難しいと思うが、私の言葉を参考にあれこれ試していって欲しい。
やっている内にこれだ思う歌い方が出来る事を信じて頑張って欲しい。


更なる脱力
今、私は今月２１日のコンサートで歌う曲の練習をしている。
毎回、本番の為に練習している最中に新しい発見があるのだが、今回も新しく気づいた事がある。
それはやはり脱力。
脱力に関しては何度も書いているので、またかと思われるかもしれないが、私が今まで感じていたのよりもっと脱力して歌うと声がもっと自由になるのだ。
脱力と言ってもどこもかしこも脱力するのではない。
そんな事をすると歌えなくなるし、歌えてもろくな声が出なくなる。
その点は大昔に自分で確認済である。
ではどうやってもっと脱力するのか。
それは体の支えのやり方でだ。
支えは必ず必要で、それにはある程度の力が必要で、高音ではより一層の力がいる。
けれど、その力を加える事によって首回りや声帯に力が入ってはならないのだ。
咽や声帯に影響しない場所で力を入れて体を支え、息を送り続けなくてはならない。
息を上で支えると直ぐに喉に直結するので喉に力が入ってしまう。
だからといって余りにも下で支えると音程が下がりやすい上、音質が暗くなり、奇麗に響きにくいし、高音も出しにくくなる。
程よい場所で支えるのが良いのだが、その加減が慣れるまでは難しい。
また、声は息が声帯の間を通っていく事で生まれる。
その大原則も重要だ。
フォルテにしたいときは喉に力を入れるのではなく、息を支えながら体で息をしっかり送り出す。
反対にピアノで歌いたいときは、息を支えつつも送る息を少なくすると良い。
そして体はリラックスして歌う事が大切だ。
息は下の方の背中側で支えて歌うのだが、その時の身体は支えるのと口を開けること以外は殆ど脱力状態にする。
勿論脚は立っているのに必要な力だけで良い。
本番だと誰でも緊張して体が硬くなり力んでしまうと思うが、そこが肝心なので、常に家で歌っているような楽な体と気持ちで舞台に立たなければならない。
まあ、そこは難しいし、なかなか慣れないだろうが、歌は体を使う以上、リラックスはスポーツ選手にも共通する事だと思う。
この状態は､これまでに何度か書いてきた「まるで何もしてない状態の時に自由に歌える」状態と体の脱力という点では同じである。
これまでは歌っているうちに偶然この状態になったのだが、初めて自分で意識的にこの状態にすることが出来た。
気持ちと体をリラックスして、けれどやるべきことはしっかりと抜かりなく。
これが最終的に必要な事だと思う。


口の中の形
先日も書いたが、今私は２１日のコンサートの練習中だ。
流石に間近に迫って来たので、発声なしでいきなり歌ってもある程度ちゃんと歌えるようにするべく練習に余念がない。
今日の練習で改めてこんなに大切なんだと思えた事があるので、忘れないために書いておくことにした。
それは口の中の形だ。
生徒が歌っている時には聞いて直ぐに分かるので、いつも口うるさく言っているのだが、自分となると客観的に自分の声を聴きながら歌う事が難しく、つい適当になってしまう様だ。
録音したのを聴いてやっと気づいたり、何かしら上手く行かなくなって気づいたりすることが多い。
口の中を常に縦にすることがとても重要なのだ。
実はここ数日、これまで何ともなかった歌い出しが上手く行かなくなり、その原因がよく分からずあれこれ試していたのだが、今日、ふとしたきっかけで原因が分かってホッとした。
これまで無意識にやっていた口の構え方が、いつの間にか少し違っていたのだった。
いつもは無意識にやっていたので、違ってしまうとどうやっていたのかが分からず、悩むことになる。
改めて始からこうすると意識してやるようにすると、上手く行くようになった。
母音が色々変わっても常に口の中を縦にすることは、かなり強く意識していないと難しい。
分かっていたはずの私でも、少し違った形で歌ってしまっていたのだ。
日本人が不得意なエ母音とペタンコになりがちなイ母音、元々縦なのでつい縦意識が適当になるオ母音の３母音が特に難しい。
今回の個所はエ母音だった。
このところ体の脱力と重心を下げる事に集中していたので、そればかり意識してしまい、口の形への意識が適当になってしまっていたのだ。
先生がいてレッスンに行ったならば直ぐに指摘して貰えただろうに、自分だけで練習しているとなかなか気づけない。
反省しきりではあるが、本番が近いので今日の練習で気づけた事はラッキーだった。


息を流す、息を送る。
これまで支えについては何度も言及して来ましたが、声のエネルギーである息の流れについては余り話してこなかったので、今日は息についてお話しします。
ご存じの通り、声は息が声帯の隙間を通って声帯を振動させる事によって発生します。
声を出し続けるには息を送り続ける必要があります。
大きな声を出すには息が沢山必要で、反対に小さな声を出す時は息を少なく送ります。
ですから支えを強くし過ぎて息を送るのが止まるようではいけません。
強い声を出そうとして喉や体に力が入りすぎると、息が十分に送られず硬い声になってしまいます。
支えは初心者の人の場合は忘れてはならない大切な事ですが、十分歌ってきた経験者の場合、支えばかりを気にすると返って良くない場合もあるのです。
息の支えが無意識に自然に出来ているような方ならば、支えよりも常に息を送る事を気をつけると、柔らかな良い響きの声が出る事が多いです。
勿論息ばかりが多くて息漏れの声になってはいけないのですが、人から声が硬いとか、力が入っているとか言われる方は、息を送るまたは息を流す事に注意してみては如何でしょうか。
身体をしっかり使って歌うのも結局は息をしっかり送る為です。
咽を開けて口の奥の方の体積を増やすことと息を流す事、この二点だけに集中して歌ってみる事も何か新しい発見につながるかもしれません。

正しい発声とは
今私は１０月と１１月に予定されているコンサートに向けて練習を重ねている。
１０月は川西音楽家協会の定期演奏会で、１１月は知り合いの方からの依頼で５０分のソロでの演奏会を開催するのだ。
間隔が１週間しか空いていないので、定演で歌う曲を１１月のプログラムに入れて歌う予定なのだが、その曲目がなかなか決まらない。
演奏時間の制約があるので、その中で考えなければいけないのだが、一曲は問題なく決まったが、もう一曲で悩んでいるのだ。
もう今後歌う機会が余り無いと思うので、好きなオペラのアリアを二曲歌いたいのだが、昔なら楽々歌えていたのに、今の私には発声面での数ある要因が全てピタッとはまっている状態の時しかまともに最後まで歌いきる事が出来ないのだ。
昔歌った歌はその時の発声の癖が知らないうちに身についてしまっていて、歌うと何故か昔の発声になってしまい、今私がこれだと思って歌っているやり方にならない事が主な原因の様だ。
昔は昔のやり方で普通に歌えたのに、今は昔のやり方だと途中でとても苦しくなって最後まで歌えなくなってしまうのだ。
何て事!?
この状態には困惑する他無い。
「若い時は良かったなあ、でも、どうやっても声は出て歌えるから、これで良いのだと思ってしまってたな。」
と心の中でつぶやくのである。
一旦昔の歌い方は全て忘れるようにして、今私がやっている発声法で歌いなおしてみると、普通にちゃんと歌える。
今の所、昔歌った歌はその時の歌い方を忘れる以外方法は無いのだが、最近譜読みから始めた新しい歌ならそんなことは全くなく、今の方法で楽に歌える。
「ああ、そうだった、昔もそんなことがあったなあ。昔、もっと前の大昔に歌った歌は、大昔の時の歌い方になってしまい、その時点で分かっていた発声法になかなかならなかったな。」
そんな事を思いながら練習に励んでいる。
そして、今やっている発声法は、この年齢になった私がまだなんとかアリアを楽にとは言わないまでも苦しくなく歌えるのだから、正しいのだと納得できるのだ。
正しい発声とは、年齢を重ねても自分で納得できる歌が歌える発声なのだと思う、今日この頃である。
とはいえ、声楽には身体が楽器という理由での避けられない年齢的な限界がある。
幾ら正しい理想的な発声をしていても、全ての素晴らしい歌手がある年齢を境に引退していくように、身体の老化による声の衰えは避けられない。
私もそろそろそんな時期に差し掛かっているのを感じるので、一回一回の演奏の機会を大切に、悔いの無い様に向き合いたいと思っている。

歌う時の顎の位置
皆さんは、歌う時の姿勢や顔の角度(顎の位置)についてどう考えているでしょうか。
姿勢について私は以前、重心を落として背中側を広げるようにと書いたと思いますが、顔の位置は正面を向いて真っすぐにと書いた記憶があります。
私はずっとそれが正しいと思っていましたが、最近発声を解説している方の中に、顎は上げて歌うのが正しいと言ってらっしゃる方が居られる他、実際の演奏会でも高音でやや上を向く方をよく見かけます。
で、私ももしかするとそれが正しいのかもしれないと思い、実際にそうやって何度か歌ってみましたが、やはり顔は真っすぐにしていないと、納得できる良い声で歌えないのです。
高音や音が上がるときは上ではなく、顎を下げて行くのが正しいのですが、始から上がっている方が下げやすいと言うのが、顎を上げて歌う方が良いと言う方の理由の様です。
確かにそれには一理あるのですが、私の場合は顎を上げて歌うと、とても歌い難いのです。
有名な歌手の方の動画を見ても、高音で顎を上げている方もいれば、特に変わらず常に真っすぐに歌っている方もいて、必ずこうだとは言えないと思います。
私が色々な方の動画を見て思ったのは、上を向く感じの方の首はとても太い方が多く、身体もふくよかで大きな方が多いなという事です。
そういう方は顎を下げると首にくっついてしまい、苦しくて歌い難いのではないでしょうか。
自分で色々とやってみて決めれば良いとは思いますが、私が聴いた感じでは、高音で顎を上げた結果、顔が上を向く方の声の響きは、それまでとは少し違っているように思うのです。
私は高音でも中音でも同じ響きで歌うべきだと考えているので、高音で顔を上げるこの方法は、少し疑問です。
何故ならば、歌う時は出来るだけ声帯の位置を低く保つ必要があるのですが、顎を上げると低い位置に保ち難くなるように思うのです。
他にも顔を上向き加減にして歌うと、重心が下げにくい、背中から腰に掛けての息を感じにくいなどがあります。
勿論、顎を上げて上を向く感じになっても、声帯を低く保て重心を下に落とせ、背中側もしっかり感じられるのならば全く構わないのですが、、。
皆さんは、自分が歌いやすいやり方で歌って下されば良いのですが、顎の向きはかなり重要な点だと思うので、敢えて今回書くことにしました。

※２０２４年１０月２日 補足追加
顎の角度について１年前に以上のような記載をしましたが、その後、約１年経って、考えを変えたので補足訂正をしようと思います。
高音を歌う場合、声帯の位置を低く保ったまま、しっかり顎を下げて咽も口も縦に開く必要があるので、顎を引いては声帯に力が加わり、良い声になりません。
私は顔はまっすぐ正面を向いているのが良く、高音では顎を下げる(顎を引くのではありません)のが歌いやすいとずっと感じていましたが、この半年ほど色々と試してみたところ、声帯を十分に下げているのであれば、顎先を少し上向きにする方が明るくてクリアーな音色になると感じています。
この場合の顎先は決して上を向くほどではなく、まっすぐ正面より少しだけ顎先を上向きにします。
この少しだけというのは個人によって感覚が違うと思うので、最適な角度を探ってみてください。
私がこのように考えを変えたのは、私は高音を歌う時も顎は上げずに真っすぐ正面を向いていると思っていましたが、歌ているのを見た伴奏者に、少し顎先は上になっているよと指摘されたのが始まりです。
それを受けて顎の角度を色々と変えて歌ったところ、上記のような結論に達した訳です。
ただ、ここで大切なのは顎先を上に上げても、声帯は必ず下げて、下顎はしっかり落とす事です。
顎先を上にすると、ついつられて声帯が上がり、下顎もしっかり落とさず、小さな口になりがちです。
その点に注意して歌うなら、少し顔を上向きにする事でより良い響きを得る事が出来るでしょう。


今回の本番で確信した事。
今月始の三連休の中日、大阪市内でミニリサイタル形式で歌う仕事があった。
先月末に予定されていた川西音楽家協会の定期演奏会が、ホールのスプリンクラーの事故で中止になってしまったのだが、時期が同じだったので、半年前からこの両方のコンサートに向けてずっと準備をしていた。
約半年前の西宮でのコンサートに向けて練習していた時には、その前年１月のコンサートで改善した姿勢や息の位置を重視しながら練習していた。
今回もその延長線で練習していたのだが、次第に、練習すればするほど、やり過ぎてしまった様で、自分でもあれ?おかしいなと思う事が増えて行った。
それで、本番二週間ほど前に、姿勢や息の位置を昨年の状態に戻すことにしたのだ。
ただ、これは絶対譲れない思っていた事は、戻さずにいた。
それは体の脱力とリラックスだ。
脱力とリラックスについては、かなり前から重要だと感じてはいたのだが、今回は今までより徹底した脱力とリラックス状態で歌う事が肝心なのだ、と確信した。
ただし、完全にどこもかしこも脱力しているわけではない。
言葉で言うのはとても難しいのだが、強いて書けば、姿勢は普通に真っすぐに立ち、息はお腹の下の方に保つが、決して力を入れて頑張って保つのではない。
そして脚や上半身はリラックスした状態にする。
言い換えれば、歌いながら歩いたり動いたり軽くステップを踏めるような状態にしておく。
その他の要因は、以前から述べている事と変わらない。
この状態で本番で歌った事は、これまでにも有ったのだが、偶然そうなっただけで、自分で意識していた訳では無かった。
今回は、自分で意識してその状態にして歌ったのだ。
前にも書いた事があるのだが、それで歌うと、身体は何もしていないような状態となる。
偶然ではなく、意識してその様な状態で歌えた。
これは私にとって画期的な事で、身体がそうなると、とてもリラックスして落ち着いて歌えるうえに、声も落ち着くのだ。
これまでの本番とはかなり違った感覚があり、やっぱりこれなのだと、長年の疑問が解決した本番だった。
これまで、リサイタル形式のコンサートは何度も開催して来たが、今回の出来が一番良かったように思う。
声自体の艶や伸びやかさなどの点は、若い頃の方が良かったとは思うが、歌の完成度は、曲によって出来不出来の差はあるものの、今回が一番だったと感じている。


歌における母音と子音
私の歌の教室では、まず誰にでも歌う時の姿勢と呼吸の練習から始めます。
その次にハミングの練習、それから母音で歌う練習と系統だって進めていきます。
母音はあいうえおの５種類をそれぞれが同じ響きの同じ質の声で歌えるまで練習して行きます。
それが出来ると次に子音のついた発音、例えばカキクケコ、サイスセソなどで練習して行きます。
それぞれの段階で音型は同音から２度、３度、５度で動くような練習をします。
これらが大体出来てからコンコーネや歌の練習に進みます。
ですから入門してから歌に入るまでの期間は、レッスンの頻度やこれまでの経験の差がある為、人によって様々ですが、早い方で３か月、普通は半年以上掛かります。
その発声練習の段階で、生徒さんが一番苦労するのが咽を開ける事でしょう。
その次に苦労するのが、母音の練習から子音に入る時だと思います。
咽を開けたまま声を出すのが一番難しいと思いますが、それが出来ている生徒さんでも、子音の付いている発音、例えばハヒフヘホで歌うと、途端に咽が開かなくなってしまいます。
歌には言葉が付いていますから、母音だけではなく子音が付きます。
日本語は５つの母音に様々な子音が付いて発音しますから、子音のついた母音が歌えないことには、話になりません。
母音が綺麗に咽が開いたまま歌えても、子音は口を閉じて発音する事が多いですから、口を閉じると子音の次の母音が咽の閉じた音になってしまうのです。
全ての子音の付いた発音は、あいうえおの前に瞬間子音を発音しますね。
例えば、サシスセソは、あいうえおの前にそれぞれＳをくっつけて発音するわけです。
で、Ｓは上下の歯を閉じて発音するので、サはアの時より口が一瞬閉じられますね。
そのままアに移ると咽が開かない声になってしまうという訳なのです。
だから、せっかく母音は綺麗に歌えるようになった人が、子音のついた発音は綺麗に響かなくなってしまうのです。
ピアノをされる方なら分かると思いますが、子音を装飾音のように軽く短時間で発音した後、直ぐに咽の開いた母音に移る必要があります。
これは初心者の方は皆、苦労する事です。
コンコーネの母音唱法はとても良く歌えるのに、歌になったら響く声にならないのは、全て原因はこの点にあります。
思い当たる方は、子音の次の母音が綺麗に響く声で歌えるように練習してみてください。
歌詞の子音を省いて、全て母音で歌ってみるのも良い勉強になります。


練習は録音必須
皆さんは練習時の自分の歌声を録音していますか。
録音はしていても、それを必ず聴き返していますか。
私は発声の勉強には、この自分の声を客観的に聴くという作業が避けて通る事の出来ない、最重要必須事項だと思っています。
録音された自分の声を聴くことはとても恥ずかしく、嫌な物です。
何故ならいかにダメか、良くないかを思い知らされるからです。
実際、歌っている時はもっと良い声で上手く歌っているように思えるので、録音の声が思ったようでないと、録音はやはりだめだな、本当の声は録れないのだとか、言い訳したくなりますが、それは現実の物として受け入れるしかありません。
現実の物として受け入れて初めて、自分の声の欠点がわかり、どうすればそれが解決するかを考える様になるからです。
先生に指摘されていても、自分で思い知らなければ、どの程度駄目なのかが分かりません。
勿論わかる為には客観的に評価できる耳が必要ですが、それは日頃から日本や海外の有名どころの歌手の歌や、先生、大学の憧れの先輩、などの歌を聴いていれば聴く耳は出来てきます。
それらと比べて自分は何が違うか、何処が駄目なのか、もしくは何処が良いのかが自分で分からなければなりません。
じぶんの声を客観的に聴かずに発声の勉強は出来ません。
レッスンのろ録音は勿論ですが、練習時の録音も必ず行い、聴き返すように習慣づける事が上達への道です。



高音の出し方　補足
久々に記事を書くことにしました。
と言うのも、目下約2か月後に迫ったコンサートの練習をしていて分かったことがあるからです。
それは高音の出し方についての補足です。
以前の記事には高音は上下を開いて、特に下を開くことが大切で、顎を下げると書きました。
それは勿論正しいのですが、例えば高音に小さくPで入りたい場合や、発音の繋がり方によっては、単に前の音から縦に開いただけでは上手く行かない場合があるのです。
そういう時にどうすれば良いかと言うと、前の音(高音の前の音ですから、必然的に少し低い音です)から口の大きさは変えずに比較的小さいまま真っすぐ高音に入ります。
入ったら、そこから直ぐに顎を下げて口をしっかり開きます。
息もそれと共に多く吐いていきます。
そうするととても楽に簡単に高音に入れて、かつクレッシェンドする事が出来ます。
口を開く為の時間をゆっくりすれば、Pの部分が長目になります。
ただし、この方法は、それまでの声の出し方が正しく出来ている場合にだけ出来る方法で、声を前に押していたり、高音で上だけを意識して喉が上がる人、身体に必要以上の力が入っている人の場合は、当てはまりません。
私は高音の発声については若い頃から悩みが多く、色々とやり方を変えて歌ってきましたが、今回分かったことが、多分、最終形態だと今は思っています。
一つずつの正しい事は出来ていても、全ての正しい事が出来ていないと、最終的には上手く行かないという事が、声楽がとても難しい原因だとつくづく思います。
今の私は発声のかなりの部分が分かったと感じていますが、まだまだ新しい発見があるかもしれません。
インターネット上には発声についての様々な発信があります。
正しいもの、少し怪しい物、よく分からない物など本当に様々ですが、色々と取り入れて、まずは試してみる事が良いでしょう。
その上で、合わないなあ、違うなあと思う物はさっさと辞めてみる。
でももしかすると、その時は違うと思っても、後であれは正しかったと思う事もあるでしょう。
私はこれまで自分で色々と試して、辞めたり変えたり、取り入れたりしてきましたが、螺旋階段のようにぐるぐると回って上に登ると、また前に捨てたことが正しいと感じる事の繰り返しでした。
歌を勉強している皆さん、諦めずに色々と試行錯誤して、自分の発声を完成させてくださいね。


災い転じて福となす
先日、2年ぶりに私の所属する川西音楽家協会の定期演奏会が開催されました。
２年ぶりとなった経緯は、ブログに書いてありますので、興味のある方はそちらをお読みください。
演奏曲は、昨年歌うはずだったオペラアリア２曲です。
ですから丸々１年半ほど取り組んでいた曲で、その間、発声法にも新しい発見があって更新したり、練習のたびに工夫を重ねてきたので、ある程度の自信も持っていました。
所がはじめての会場であるアステホールは、元々イベント会場で多目的ホールです。
舞台は無い、反響版も無い、床はカーペット敷、客席は段差無のパイプ椅子を並べる仕様と、コンサートには全く向いていない会場でした。
前日のリハーサルで生まれて初の体験をしました。
それは、自分の声が会場の空間に吸い込まれて消えていくという体験です。
そんな事は初めてなので、驚き戸惑い、全く勘が狂いました。
声が消えるので、無意識に声を出そうとして頑張ってしまいます。
いつもはホールの響きではなく、自分に聞こえる顔周りの声を聴いて歌っていたのに、それすら聴こえないのです。
結果、前日のリハーサルとゲネプロは最悪の出来でした。
翌日の午前中は自宅で修正し、当日のリハーサルに臨みましたが、まだ何かおかしくて納得出来ませんでした。
楽屋の隣に音を出せる部屋があったので、友人のアドバイスや伴奏担当の娘の話も参考に、試行錯誤を続けました。
で、最終的に自分で出した結論は、今まで私がこちらの方が良いのではと、この１年半ほど重心を落とす事と下半身の脱力を重視していたのですが、以前にやっていた支え方を変えてしまっていたのがいけなかったのかもと気づき、支え方は以前に戻し、重心の位置と下半身の脱力は今のを取り入れると言う、２つを組み合わせる方式です。
それが大正解だった様です。
本番は今までで一番うまく行った気がします。
会場の響きではなく、自分の顔周りで聞こえる声がしっかり聞こえました。
その為、安心していつも以上に感情面でもしっかり歌う事が出来たと思います。
もしかすると、今までで一番良かったかもしれません。
これも、あんな最悪な響きの場所で歌う事になったからであり、まさに「災い転じて福となす」でした。
兼ねてより、本番は最高の教師と書いてきましたが、今回ほどそう思った事はありません。
家で歌っているだけでは絶対に分からない事を、本番は教えてくれます。
皆さんも貴重な本番の機会を一回一回大切に向き合ってくださいね。


究極の発声法その1
暫く記事を更新していませんでした。
というの昨年の夏は身内に不幸が続き、その後は法的な手続きや相続その他諸々の事に忙しく、余り歌う時間も取れず、歌の本番も少なかったからです。
新年になり、色々な後始末も一段落してきました。
来る３月には多分最後となるであろうソロリサイタルが控えています。
練習は昨年の春から取り組んでいたのですが、前述したように６月以降は練習も余り出来なかったのです。
新たな歳を迎え、実質残り二か月となったので、歌に向き合い始めました。
春にはプログラムも決めて歌い込んでいたので、今は暗譜の確認と発声の仕上げに入っています。
これまでは重心を落とすことに注力していましたが、ここの所それだけでは無く、息の支えはウエスト辺りだけでは無く、腹部全体、もっと言えば腹部と胸部全体のように思い始めています。
これまでは、ウエストから胃の辺りに力を入れて息を支えていましたが、力を入れて支えるのではなく、身体を筒のように思って全体に息をしっかり取り込み、特に高音では体全体で支えて、特にどこかに力を入れるのではなく、はあーっと横隔膜を使って口に送り出すイメージにするときに、高音が以前より伸びやかにしっかり出るようになって来たのです。
その時、重心は下ですが、姿勢を低くはしませんし喉は下げたままです。
その時の口は、下顎をしっかり下げて大きく口を開きますが、顎の角度は真下ではなく、前方に20度から30度ほど傾けます。
表情は晴れやかに、のつもりですが、実際はどんな顔なのかは分かりません。
ただ、とても良い気分で、苦しくなく、自分でもこれは音程もバッチリで良い声が出ていると分かるのです。
推測ですが、晴れやかな表情だと思われます。
そして、これがとても大切なのですが、身体を筒のようにして腹部と胸部全体で息を支えて歌うと、何もしていない感覚になるのです。
脚は楽にリラックスしているし、喉にも胸にもウエストにもどこと言って力を入れる場所はありません。
ですから、普通に立って普通に息を吸って歌い始めれば良いだけなんです。
なので緊張感も無いですし、ずっとリラックスして歌えます。
でも声はちゃんと出ています。
こういう感じ(何もしていない感じ)は前にも書いたことがありますので、初めてではないのですが、これまでは歌っているうちに何の拍子か突然そうなっていたのですが、今は最初からそうなるのです。
私が探し求めて来た究極の発声はこれなんだろうと思います。
どこかにぐっと力を入れないので、変な声の揺れも無いですし、何か癖のある声にもなりません。
これが私にとっての究極の方法なのかどうかは今後の進展を待つ必要がありますが、色々な点から考えると、そう思って良いのではと感じています。
三月まではこのやり方で歌っていこうと思います。

究極の発声法その2
前回、究極の発声法その1を書いた後で、もう一点重要な事を書いていないことに気づいたので、その２として書き記します。それは下顎の脱力です。
身体の脱力(どこか一点に力を入れるをしない)が出来ていても、下顎に力が入っていては良い響きになりません。
この下顎に力が入っている事には、なかなか気付けないので、大抵の人は力を入れているなどとは思わず、けれども入っているという状態になります。
特に日本歌曲を歌う時には、日本語の特性でしょうか、前に押し気味の浅い声になりがちです。
日本歌曲もイタリア歌曲も発声法は同じです。
どちらを歌う時も、ドイツ語や他の言語で歌う時も、下顎の力は抜きましょう。
そうすれば深くて美しい響きの声になります。
身体の脱力と下顎の脱力に気をつけて歌ってくださいね。